Decision to Leave - Park Chan-wook

Como llevo diciendo en los últimos tiempos, no es fácil ver una película en diferentes tandas y entender qué estás viendo de una manera ordenada. Ver una película en tres días, si la película es además prolija en giros de guión, flashes, vueltas al pasado, mezcla de realidad y pensamiento, puede generar confusión, lío, más cansancio y esfuerzo para seguir las tramas y lo que significa todo, en definitiva, condena la película a un prematuro fracaso evaluativo. Y sin embargo, Decision to Leave es una película maravillosa. Puede que no entiendas nada de los asesinatos, quién mata a quién y porqué, qué busca la protagonista femenina o qué implicación real tiene en esto o lo otro, porqué pasan cosas, porqué todo tiene un final y porqué hay situaciones que parece que aparecen de la nada y no entiendes qué te has perdido. Puede que estés perdido. Pero no puedes dejar de ver y mirar. El director Park Chan-wook, al que conocemos principalmente por habernos regalado esa barbaridad que fue OldBoy, no deja indiferente por su forma de contar historias crudas con toques de humor, a veces imperceptible, a veces pretendidamente involuntario, a veces slapstick, y, en determinados momentos, traspasándonos con una ternura que no necesita de aspavientos pasionales sino de una mirada, una leve sonrisa, lavar unos platos, nada. Y no estás sabiendo qué pasa, o qué trama te estás perdiendo, pero sabes que hay algo que no puedes dejar de mirar. El trabajo de Tang Wei es tan impactante que te da igual si entiendes o no. Simplemente no quieres que se acabe la película. Y se acaba. 

Bugonia - Yorgos Lanthimos

Uno de los riesgos que tienes como creador cuando has definido tu carrera como una constante provocación tanto en la manera de relatar como en las soluciones que propones a los problemas planteados, es que en algún momento esa originalidad que te caracterizó se convierta o bien en una parodia o en algo que ya termina por ser consabido y lo peor, en experimentos fallidos. Yorgos Lanthimos es un director griego que ha tenido una carrera cinematográfica marcada por la voluntad de provocar en el espectador un debate sobre yo que sé, amigo, yo que sé, sus películas son desasosegantes, violentas, grotescas, extrañas. Y eso es un riesgo, como digo, ya que puede ser que haya alguna película en la que digas, ay, aquí ya patinas o ay, esto ya no me hace gracia. Decir que Lanthimos alcanzó el éxito masivo y el reconocimiento con La Favorita y que lo consolidó con Pobres Criaturas, no parece exagerado. El éxito masivo es una cosa que te obliga a mantener un nivel o bien a adaptar tu nivel a un paladar menos exigente. Yo que sé. El caso es que después de esas dos películas el reto era mayúsculo, siempre lo es. De tal manera que las películas posteriores generan una expectación que ya no se responde con lo que viste, vienen las decepciones, vienen las incomprensiones, pero eso a Lanthimos parece que se la sopla bastante. Así, repitiendo elenco protagónico, en Bugonia nos propone otra historia que no tiene pies ni cabeza, pero que pudiera tenerlo, y lo vamos a dejar ahí. En un mundo como este, en el que las respuestas las tienes martilleando en tu cabeza a través de gente que te dice que 'yo no te digo que sea la verdad pero opino que los extraterrestres existen', la historia aquí es tan verosímil que da miedo. Da tanto miedo que incluso en un final estratoscópicolépticofantastimbulámbértico dices, pues a lo mejor. Y por eso hay que querer a Lanthimos. 

Backrooms - Kane Parsons

El mundo moderno, la sociedad occidental al menos, se ha convertido en un lugar complicado de entender. Múltiples factores, la tecnología, la incomprensión, lo difícil que es todo, el absurdo de las redes sociales, la comunicación constante, la fantasía de que nuestra opinión vale, lo desconocido que tenemos en la acera de delante, el contacto con el otro, la violencia oculta y la violencia visible, el individualismo, las ganas de saberlo todo y la pretensión de desconectarnos. No sé, podría estar toda la tarde diciendo cosas. Podría estar toda la vida poniendo ejemplos del porqué este tiempo y este lugar son un misterio, un horror, una mierda como un pan de pagés de grande. ¿Alguien se acuerda de Charlie Kaufman? Charlie Kaufman fue un guionista y director de cine que se caracterizó por coger nuestro cerebrito de personas intelectuales que nos creemos que sabemos de las cosas, coger nuestro cerebrito digo, cogerlo así, saltar encima de él de manera repetida, concienzuda, y licuarlo hasta dejarlo en la nada. ¿Alguien se acuerda de películas como Sinecdoque o la más reciente Estoy pensando en dejarlo? Esa manera de contar cosas, una historia, en la que lo lineal deja de tener importancia y lo que cuenta es otra cosa que ahora, ya a mis 51 años, se me ha olvidado absolutamente lo que era y lo que yo creía que contaba o significaba. Eso para lo que el cerebro de un intelectual de izquierdas cree estar preparado cuando tiene veintitantos o treinta y tantos y que te esfuerzas en interpretar y dar sentido. Lo he entendido, me siento satisfecho. Eso ya pasó. Backrooms dicen que se basa en una serie web del propio director Kane Parsons. Intentaré explicarlo. Un tipo trabaja en una tienda de muebles a la que no va nadie. Va a la psicóloga. Su mujer le echó de casa. Todo esto puede parecer trascendental o importante. El caso es que descubre en el sótano de su tienda de muebles una puerta a otra dimensión que le conduce a una suerte de recinto vacío lleno de pasillos y salas y pasillos y salas y objetos diversos. Y yo creo que ya he contado suficiente porque esto es más o menos lo que hay que contar de esta película y de esta historia y yo ahora estoy un poco más tranquilo, casi dos horas o tres después de acabar de ver la película, pero cuando ha terminado, en caliente, he pensado que los americanos tienen merecido todo lo que les pase. Y ahora pienso en Charlie Kaufman viendo esta película y pensando 'como coja el ordenador y lo encienda, verás'. 

Pizza Movies - Carlo Padial

Pues es un poco como que te sabe mal. Te sabe mal porque quieres ver la película con ilusión, con ganas, con interés, porque es como la primera película de Judit Martín como protagonista y tú te acuerdas de Judit Martín de los tiempos legendarísimos de Fotolog y de aquellos vídeos absolutamente mongoloides del 'Tinc un hotel (o tinc una casa)', y desde ahí pues todo ya. Y la has visto en conciertos y creo que una vez hablé con ella. Ya está. Y Berto pues mira, de los tiempos del Cansancio, que cuando aparecen los créditos y lees El Cansancio, pues te acuerdas. Te acuerdas del impagable anuncio del Seat Makinero (para ti, joven nacional), tan adelantado a su tiempo. Y bien, como han salido tanto en la tele pues ya te sabes el argumento pero no sabes cómo evoluciona la película y eso, que te sabe un poco mal todo. Porque una vez que te ríes con la idea inicial y el planteamiento y cada vez que sale Judit Martín, pues a medida que avanza la película ya todo se convierte un poco en un disparate y está bien que sea un disparate pero yo que sé, es que con la idea inicial pues a lo mejor ya tenían bastante y todo lo otro pues era engordar lo que era un buen corto y el tema del juicio pues es como un santo con dos pistolas. Que yo no digo nada. Pero sabe mal.  

Oh, Canada - Paul Schrader

Bien. Resulta que el otro día por casualidad vimos en la tele El Maestro Jardinero, una buena película con Sigourney Weaver y Joel Edgerton, dirigida por Paul Schrader. Ya la había visto, no recordaba el final. El final me pareció flojo, o que podía haber estado mejor, no sé. Yo no entiendo mucho. El caso es que por abundar en cinematografías, buscando una alternativa para el domingo por la noche, vimos que en Movistar está Oh, Canada, dirigida también por Paul Schrader. Marcándome el pegote, le dije a Alba 'es un buen director, fue guionista de Scorsese', así que venga, vamos a atrevernos con Oh, Canadá. Bien. Se supone que la película va de un desertor del Ejército estadounidense que huye a Canadá en los años sesenta y que, luego como famoso documentalista, es protagonista a su vez de un documental cuando ya se encuentra en fase terminal aquejado por un cáncer. Repartazo con Uma Thurman, Richard Gere y Jacob Elordi. Repasando me doy cuenta de que creo que no he visto una peli buena de Jacob Elordi. A lo que vamos. ¿Qué es el tiempo? Hay una canción de La Düsseldorf que se llama Zeit, o Time, que viene a decir más o menos que el tiempo es tu tiempo, nuestor tiempo. No explica nada. Quizás es algo más explícita la adaptación de La Terremoto de Alcorcón del tema de Madonna: el tiempo pasa despacico. Nada explica el tiempo. Una hora, media hora, 25 minutos, son espacios compactados, encapsulamos una porción de nuestra vida y la encerramos, la medimos, en una secuencia que va repitiéndose, segmentada, por segundos, minutos, horas. Así, todo el mundo considera que una hora es una hora. Pero puede pasar que una hora no pase igual para todo el mundo. Una hora larga, por ejemplo. Que tengas una hora corta, te dicen cuando vas al médico, a una operación. Algo se te puede hacer largo o corto, pero en realidad es una percepción ya que el tiempo es el que es. El tiempo es el que es. Te doy una hora, es una hora, no son 89 minutos. El tiempo y lo que pasa durante ese tiempo. Pues bien. Cansados y derrotados por un fin de semana intenso y extenuados por las responsabilidades propias de nuestra categoría de padres de familia, llegó un momento viendo la película ayer que no pudimos más y decidimos irnos a la cama. Al pausar la película y querer volver a la página de inicio de Movistar vimos que habíamos visto nada más que 37 minutos de una película de hora y media de metraje. 37 minutos. Se me habían hecho 37 minutos larguísimos, terriblemente fatigosos, fatalmente densos. 37 minutos que me habían dejado el cerebro frito intentando averiguar de qué mierdas iba la puñetera película. Un tipo recuerda su vida mientras se está muriendo en directo y es una vida en la que su juventud tiene más que ver con un jeta caradura que con un héroe pacifista y donde todo lo que pasa es 'soy tan guapo que me las he tirado a todas'. Y algo no casa con la sinopsis, o algo pasa con la película que no circula por el carril indicado. Da igual porque ya nos vamos a la cama y la vamos a acabar mañana o quizás no, porque si solo hemos visto media hora de peli y nos ha dejado la cabeza chorreando incredulidad, porqué tenemos que hacernos daño de esta manera. Al día siguiente, hoy, ahora mismo, al pasar el cursor, vemos que la barra que señala el tiempo transcurrido de película, vemos que está mucho más avanzada de lo que pensábamos. No puede ser. Se ha adelantado sola. La ponemos para comprobar y efectivamente, nos llevamos la sorpresa de que habíamos visto ya una hora y cuarto de peli. Pero durante todo el día hemos estado convencidos de que habían sido 37 minutos de mierda. El tiempo, cómo transcurre. El cuento del conejo y la tortuga. Alicia a través del espejo. El episodio de los Simpsons de Tron. Tron. Carretera perdida de Lynch. El guión circular y toda aquella mierda que dimos en Semiótica. Era un error del contador de tiempo de Movistar. Hemos visto acabar la película. Nos faltaba ver otra seducción del guapo. Y que se va a Canadá. Mierdote de película. Mierda de Tiempo. 

Franco Battiato: Il lungo viaggio - Renato De Maria

Franco Battiato es uno de esos artistas a los que conoces y reconoces pero a los que no conoces realmente. Conoces su obra, te sabes canciones famosísimas, pero no eres capaz de definir. Principalmente porque el propio Battiato no quiso ser más claro o porque en su claridad resultaba obtuso para la masa. No sabes. Hermético, místico, filosófico, ajeno a este mundo y sus tentaciones, la figura de Franco Battiato es lo suficientemente jugosa como para recibir una película biográfica sobre su figura con interés. Qué nos contará de su evolución artística, aparecerá algún trazo sobre su vida sentimental, quién era realmente Franco Battiato. Hemos visto películas, biopics, de grandes artistas, cantantes, en los que, poco más o menos, hemos descubierto o redescubierto trayectorias en las que lo personal era indistinguible de lo artístico, también aquellas en lo que lo artístico era un elemento secundario respecto a lo personal, bien sea por lo jugoso del salseo, o porque una película no es el espacio para profundizar en las cosas del arte. Sea como sea, esta película sobre Franco Battiato, se presenta como un abordaje a la complejidad de un personaje singular, haciendo hincapié precisamente en su singularidad, en su hermetismo y en su afán por divulgar conocimientos elevados a ritmo de pop. Al menos, durante una época. Al menos, durante su época más exitosa. Mundialmente exitosa. Así, nos encontramos con la infancia de Franco, Ciccio, en una Sicilia donde todo el mundo es bueno y el padre es malo y la madre una santa. Dotado para la música, la madre querrá facilitarle la vida y el padre... 30 segundos de película. De esa infancia de amor maternal dulcísimo, nos vamos a Milán, donde Battiato ya es un jovenzuelo peludo y estrafalario que hace música vanguardista. No sabemos muy bien cómo ni porqué, pero hace música vanguardista y parece tener éxito y renombre con ello. Si sabemos algo de música italiana de los 70 sabremos que los experimentos de Battiato no eran cualquier cosa y el disco Fetus está entre los totems de lo progresivo. Battiato se nos aparece como un personaje simpático, sí, con sus cosas de artista, pero majete, sí, con sus pedradas místicas, sus meditaciones, sus arrebatos, pero dentro de su rareza, parece molar. Se junta con gente que sabe mucho de muchas cosas, con una mujer llamada Fleur que no sabemos quién es pero que sabe tanto o más que él sobre todas las cosas y con la que charla durante años, se tumba en alfombras, camina, fuma, y como diría la canción de la Maui de Utrera, al final nada. No hay prácticamente vida sentimental de Franco Battiato en la película, no hay nada de jugosidad chismosa, no hay un rompimiento, no hay un desengaño, tan solo una suerte de romance extraño con una fan, pero que está rápidamente explicado por el propio Battito en una conversación con Fleur sobre el amor y sus consecuencias donde deja claro que a él no le va. Fleur resulta ser Fleur Jaeggy, una escritora y filósofa suiza que también escribirá letras para Battiato. Pero tú eso no lo sabes porque no te lo explican. Desde su experimentalismo y vinculación con el rock progresivo, veremos cómo tras alguna crisis de creatividad y relación con la música, pasa a la comercialidad y se embarca en tres discos como son Patriots, L'era del cinghiale bianco y La voce del padrone que le convertirán en una estrella. Sin duda lo mejor de la película son la recreación de los vídeos de canciones como precisamente L'era del cinghiale bianco, Bandera bianca y sobre todo Centro de gravità permanente. Antes había ganado el Festival de San Remo con una canción llamada Per Elisa que es despatarrante, interpretada por una cantante llamada Alice. Todo esto se va contando salpicado con diálogos y reflexiones y encuentros de Battiato con otros artistas que son desconocidos para el gran público, más charlas con Fleur y más encuentros emotivos con su madre. Después del éxito, hay como un desdibujamiento de la película, hay una escena cantando delante del Papa y una suerte de retiro junto a su madre. Y chimpum. La película nos dibuja así a un Franco Battiato espléndidamente interpretado por Dario Aita que no termina de parecer un personaje con arista alguna, sino que se va remansando y aplanando hasta llegar a un final en el que queda convertido en una suerte de santo en vida, del mejor hijo del mundo, dedicado al cuidado de su madre como su madre cuidó de él y no sabemos cómo le sentó el éxito, cómo lo manejó, qué le costó, qué camino tomó... simplemente que era bueno como el pan. Y termina la película y sientes que se ha desperdiciado algo que podría haber dado más juego. Quedan unas canciones guapísimas y un baile y una actitud ciertamente desconcertante. Otra vez será. 

A star is born - Bradley Cooper

No había visto esta película principalmente porque no tenía ningún interés en ver esta película. Pero ayer, después de haber visto anteayer un dramonazo oscurísimo de altísima exigencia emocional, haciendo scroll televisivo, apareció esta película y como no estaban los cerebros para mucho más me dije, venga,  ver hasta dónde aguantas. Y la acabé. Esta película es un remake de otras tres películas previas con el mismo nombre y supongo que con argumentos similares. En este caso, la reminiscencia más conocida es la de una película protagonizada por Kris Kristofferson y Barbra Streisand, casi nada al aparato. Bien, la película la dirige el propio protagonista, Bradley Cooper, al que conocemos principalmente de las sagas Resacón en las Vegas y que él mismo protagoniza interpretando a un cantante de country rock o de rock a secas que está un poquito encenagado con la bebida y que una noche se pierde por esos bares para acabar descubriendo a una chica que canta como un demonio de bien. Esa chica es Lady Gaga. A mí Lady Gaga siempre me ha recordado a alguien, pero en esta película, donde en muchos tramos de la misma aparece digamos al natural, el parecido es asombroso, como un clon. Ambos comparten durante esa noche que se conocen un intercambio de pareceres sobre el arte y el éxito y la música y se cantan alguna canción que tienen a medias. Digamos que él se pilla y ella pues también. Al día siguiente él la reclama para un concierto y acaban cantando la canción de la noche anterior y exitazo. Se lían. Relación. Él es un cantante de éxito pero de vez en cuando tiene campanazos de beber mucho y tiene un hermano interpretado por Sam Elliot que Sam Elliot en esta película debería tener unos 77 años o así y es IMPOSIBLE que sea su hermano mayor porque le debe sacar unos 30 años, que puede pasar pero es que ves a Sam Elliot y puede ser su padre absolutamente. Sam Elliot por cierto interpretando otra vez a Sam Elliot. El caso es que la pareja tiene éxito pese a que él es un bolingas de cuidado y tiene ese puntito de que tiene que hacer realidad las letras de sus canciones o de las canciones de ella, y ese tocar fondo, y ese rollo de cuando me va bien quiero que me vaya mal, y ya más o menos ves venir que el éxito que tiene ella (cuánto más éxito tiene ella, menos natural parece de nuevo) a él no le mola, o yo que sé, porque hay muchos momentos de la película en los que el deja la mente en blanco, la mirada perdida, la risa de me la bufa todo y sabes que se va a liar. A ella, que la ficha un productor con mala hostia, la van modelando para convertirla precisamente en una especie de Lady Gaga cutre, pero con éxito. Y él, el Bradley, es que no lo ve. En definitiva, hay cante, hay romance, hay propósito de enmienda, pero como pasa con las canciones de Los Planetas, hay gente que se cree el personaje y no puede escapar. Total, que he visto A star is born, y que ya estoy preparado otra vez para lo que tenga que venir. 

Amarga Navidad - Pedro Almodóvar

Una compañera hace poco se autoflageló en un texto diciendo que no tenía las herramientas comunicativas para explicar lo que sintió viendo una obra de teatro. Yo no sé si las tengo, pero intentaré emplearme a fondo hoy. Este texto contiene información que se considera en el argot contemporáneo como spoiler, es decir, que si sigues leyendo, sabrás cómo acaba la película. Pero es que sin saber cómo acaba la película es imposible si quiera considerar qué es esta película de Pedro Almodóvar. ¿Dónde os habéis quedado de su filmografía? ¿Cuándo le perdisteis el hilo a Almodóvar? ¿En qué momento os dejó de interesar? Yo hace tiempo que no siento nada al ver una película de Almodóvar y si las sigo viendo es por cierto interés morboso en saber cómo ese hombre, aclamado y reconocido y repudatísimo, no tiene nada que ofrecer que no sea complacer la imagen de sí mismo que se ha creado para con los demás, críticos, instituciones culturales, grandes medios. La presencia de grandes actrices internacionales, de estrellas rutilantes que 'vuelven' a trabajar con él, repartos deslumbrantes, nos sirven de enganche para continuar teniendo las películas de Almodóvar como citas obligadas, aunque ya no nos interese lo que cuentan. Así, llegamos a esta película que, desde el comienzo, se aparece como un despropósito en el que todos y cada uno de los tópicos absolutos sobre las películas de Almodóvar van apareciendo. A veces tenemos la sensación de que hay escenas que hemos visto, que hay actores que ya han hecho ese papel, que otros actores han hecho el mismo papel que otro actor ya está haciendo, que no es posible que vuelva a recurrir a Chavela Vargas como recurso dramático musical, que no es posible que otra cantante famosa se preste a hacer una aparición, que las combinaciones de colores, que los planos cromáticamente estudiadísimos, que la historia de la madre que se muere o se está muriendo, que el director de cine, que las fotos con Jean Paul, que la pareja del director de cine, que la belleza masculina, que Rosy de Palma y las alusiones a la droga como algo de andar por casa, los rostros conocidos, mujeres que se ayudan, dramas muy intensos, me voy a Lanzarote o Fuerteventura, actrices que no hablan que casi mascullan porque tienen que interpretar que están muy mal, otra canción de Chavela Vargas, tomar mezcal en una terraza de un parque de Madrid, Sbaraglia haciendo el papel que antes hiciera Banderas, la ayudante repasando los premios y galardones que va a recibir el director y tú pensando pero cómo se puede ser tan gilipollas de presentarse como un ícono cultural él mismo así sin anestesia ni nada. Todo es tan repetitivo y tan obvio que nos predispone a una crítica feroz, una crítica despiadada, a poder decir con toda la boca llena de dientes que Pedro Almodóvar está acabado, que esta película es una absoluta mierda y que ha perdido el respeto por sí mismo en lo que parece una parodia de su cine perpetrada por él mismo. ¿Pero es que nadie se ha dado cuenta? ¿Pero es que nadie le dice al rey que va desnudo? ¿No es como si Mel Brooks hubiera hecho una parodia de Todo sobre mi madre o de Volver, por ejemplo? Así que pasan los minutos y las tramas nos dan igual porque incluso pareciera que las tramas dan igual, se desvanecen, personajes que aparecen y que parece que tienen un qué y que de repente se convierten en nada y lo que les pasó deja de pasarles o vete a saber. Y a una trama le sustituye otra y cuando ya vemos que el disparate no tiene freno, entonces, al final, con una botella de mezcal que milagrosamente tiene el chiringuito del parque de por medio, se pone al descubierto de qué va toda la película. Y la película no va de otra cosa de que el propio Almodóvar ha jugado a dejarse revolcar por el suelo de la crítica, a autoexponerse a una paliza crítica, a que nos mofemos, a que lo arrastremos por el fango, a que nos burlemos de sus mierdas, a que esperemos con ganas la próxima escena para decir 'ves, esto también lo hemos visto', y él lo sabe. Lo sabe desde el primer momento. Lo sabe desde que aparecen los créditos. Lo sabe desde antes de que seleccionemos la película en Movistar. Lo sabe antes de decidir qué actores y actrices van a exponerse a la trituradora. Sabe que vamos a cagarnos en Almodóvar. Y al final, nos lo dice, nos concede esa hora y media de masacre almodovariana, para, pasado el entremés, volver a lo suyo. Sublime. 

The Royal Tenenbaums - Wes Anderson

Me gusta muchísimo el cine de Wes Anderson. Me gustaron muchísimo la de Darjeeling, me fascinó la de Hotel Budapest, me encantó la de Life Aquatic. Me gusta esa manera de contar, de filmar, los planos, me gustaría mucho imitarlo, me encanta imitarlo. La estética, todo. Me encanta. Pero entiendo que si la historia, si lo que cuenta, no está muy bien hilado, la cosa se puede quedar en una suerte de gags o de imágenes muy bien estudiadas que pueden a llegar a dejarte un tanto vacío. Esta película, The Royal Tenenbaums es una de sus primeras películas pero donde ya cuenta con un elenco protagónico de primer orden. Nos cuenta la historia de una familia cuyo padre abandona el hogar hace tiempo, con tres hermanos dispares y una madre que intenta rehacer su vida. Ver esta película ahora, después de haber visto todas las demás es un poco tramposo porque la juzgas en función de lo que ya has visto en lugar de mirarla con ojos de no saber qué es lo que vendrá luego. Así que la película me gusta en cuanto tiene los elementos típicos del cine de Anderson, pero me deja un poco falto de algo, un algo que puede ser algo de tensión en la historia, algo de emoción, algo que vaya más allá del efectismo de unas imágenes y unos planos y unas interpretaciones que ya conozco sin haber visto nada de la película. Quizás condicionado por películas como The French Dispatch o Asteroid City, que me han dejado un poco frío sin quererlo yo, The Royal Tenenbaums no ha sido el disparate que yo me esperaba. Aunque lo sea. Ah, eso sí, como siempre, musicón. 

El agente secreto - Kleber Mendonça Filho

Esta película es una película extraña. Extraña por cómo se presenta, por cómo comienza, por cómo se desarrolla y por cómo termina. Se presenta como una película que nos habla del Brasil de finales de los años 70, en plena dictadura militar. Vivir en una dictadura militar. La dictadura militar brasileña también protagonizó el penúltimo éxito internacional de la producción cinematográfica de este país, Aún estoy aquí. Ya esa película retrataba una realidad en la que, bajo un barniz de que 'en Brasil no pasa nada y todo el mundo está en la playa y la música', la gente desaparecía y no hagas más preguntas y a seguir para delante. Vivir en una dictadura. La película parecía la favorita para ganar el Oscar a mejor película extranjera, pero al final no pasó, ganó la noruega. Cómo sería la noruega. La película, que parece hecha a mayor gloria de Wagner Moura, protagonista y productor de la misma, desmiente esta última afirmación, al convertirse en una cuestión coral en la que el ambiente y la sensación de que algo va a pasar y que la torpeza, lo cutre, lo salvaje, lo desmadejado, lo informal, acaba siendo igual de opresivo, certero, criminal y represor, no te deja en toda la película. La película nos presenta la llegada de alguien a Recife, ciudad que no es Río, ni es Sao Paulo, ni es Salvador, alguien que viene buscando algo y que parece que huye de algo, ya que se junta con gente que también parece estar huyendo de algo y que se alojan en un edificio y viven una vida bajo el radar de quienes les deben perseguir en una situación que no parece muy clara, o surrealista, o confusa. En esa confusión y estupefacción, alguien que parece huir y que parece utilizar un nombre falso, es acogido con cariño por parte de un policía corrupto y su séquito de criminales, nos movemos hasta que aparecen los motivos por los cuales huye el protagonista. Y entonces la película se convierte en una trepidante obra de caza al hombre en la que nos ilusiona pensar que todo terminará bien. Por lo cutre, por los malos malosos, por la desfachatez. Pero, como en Aún estoy aquí, las cosas pasan porque tienen que pasar y lo que a ti te parece una dictadura de segunda, sin el terrorífico prestigio asesino de Argentina o Chile, o la persistencia gris en la carnicería de Paraguay, es en realidad un sistema de chivatos, comprados, sicarios, criminales, capaces de matar porque sí y por dinero también. La película, siempre acompañada por una música soberbia porque una película brasileña siempre tiene una música soberbia (la persecución del sicario con esa banda de pífanos, simplemente brutal), tiene momentos de comicidad buscada, de surrealismo salvaje, de violencia, de tensión dramática, de nudo en el estómago y de no saber si va a pasar lo que va a pasar. Porque al final, en una dictadura, sabes lo que va a pasar. 

Franz Kafka - Agnieszka Holland

Vamos a ver. Si el propósito de la película es que entendamos de dónde viene el singular mundo que Kafka describió en sus obras, puede que encontremos una explicación. No la explicación, pero superficialmente, puede ser. Si el propósito de la película es que descubramos a Kafka, igual nos llevamos una sorpresa porque no descubriremos demasiado al escritor Kafka, no se habla demasiado de la obra de Kafka, hay algunos retazos, incluso alguna recreación de algún episodio, pero no sabremos qué escribió Kafka. Es una película sobre Kafka en la que se sobreentiende que ya sabemos qué es lo kafkiano, de qué va el mundo de Kafka, cuáles son sus principales obras. Es una película sobre una persona llamada Franz Kafka, que escribe compulsivamente por las noches, que vive con su familia, que tiene un padre tiránico, que no encaja con lo que se espera de él, que es un tipo peculiar, que establece relaciones sentimentales más bien basadas en el chau chau que en lo físico, que es un maniático, que sabe que tiene un talento pero al no recibir la aprobación de su padre no se siente seguro o respaldado, pero él sigue escribiendo y bueno. En la película se nos cuentan sus relaciones sentimentales, no sé si esto lo he dicho ya, pero no se cuentan todas sus relaciones. En la película hablan sus amigos y familiares, en un recurso bastante interesante, de lo mejor de la película. En la película también aparecen imágenes de la época actual en la que se nos cuenta cómo la figura de Kafka ha pasado a ser un símbolo casi despojado completamente del sentido original de su obra, si es que sabemos cuál es la obra de Kafka, en en la película no aparece, porque ya hemos dicho que la película está pensada para que la vea gente que ya sabe qué es lo que escribió Kafka. ¿Sirve la película para saberse a Kafka? En estos tiempos, perdonad que hable de otra cosa, en estos tiempos digo, lo de que las cosas sirvan o no sirvan yo ya no sé si tiene sentido. Con que pasen y que alguien nos las interprete, nos podemos dar por satisfechos. ¿Dan ganas de leer a Kafka después de ver la película? Dejo la pregunta sin responder. 

Father, Mother, Sister, Brother - Jim Jarmusch

Hay películas en las que lo importante no parece ser lo que pasa o lo que se cuenta sino todo lo que significa la película en sí. Voy a ver si me explico. Esta es una película de Jim Jarmusch y como tal, tiene interés. Interés por la trayectoria de un director de cine particular que nos ha dado trabajos emblemáticos como Paris Texas, que no he visto, o como Broken Flowers que sí y aquella de los vampiros que también está bastante bien. Y más películas que si te pones a mirar, pues hay un poco de todo, pero son películas de Jim Jarmusch. Dicho esto, es una nueva película de Jim Jarmusch y esperas que sea una buena película o al menos una película que no te deje indiferente o al menos una película. Es una película de Jim Jarmusch y ese es el concepto, el ambiente en el que te tienes que mover durante toda la película buscando las explicaciones justas y necesarias a cualesquiera incidencia o movida técnica o argumental o actoral que se presente. Es una película de Jim Jarmusch. Bueno. La película de Jim Jarmusch nos cuenta con tres episodios distintos tipos de relación familiar. Un primer episodio en el que es el padre el supuesto protagonista, aunque los diálogos entre los hijos son tanto o más importantes que esa figura paterna. Efectivamente, sale Mayim Bialik en la película como hija de Tom Waits y hermana de Adam Driver. Y Mayim Bialik es una sionista recalcitrante. Pero tengo una debilidad por Mayim Bialik. Este episodio me gusta. El segundo episodio está protagonizado por una robótica, hierática, Charlotte Rampling como madre, pero también son importantes los diálogos entre las hermanas, o los no diálogos en absoluto. Es otro tipo de relación. Y por último un episodio en el que dos hermanos se encuentran tras la desaparición de sus padres y es el episodio que me resulta más es una película de Jim Jarmusch y tienes que despojarte de un criticismo que no viene a cuento porque Jim Jarmusch es el director de Paris Texas y de otras películas muy buens como por ejemplo Ghost Dog, que también era muy buena, y ese es un poco el manto bajo el que has de colocarte para contemplar sin juzgar demasiado una película que juega a una cosa en sus dos primeros episodios para jugar a otra en el tercero sin que tú sepas muy bien porqué ese cambio y sí que me gustaría decir ya como punto final a este intento de crítica que no es una crítica porque no debemos olvidar nunca que es una película de Jim Jarmusch y, al menos yo, no estoy ni preparado, ni cualificado, ni creo que tengan ningún sentido realizar una crítica de una película de Jim Jarmusch.  

Los Domingos - Alauda Ruiz de Azúa

Uy, Los Domingos. Cuando apareció esta película en los cines, los comentarios de rigor tendían a vender esta película como parte de una suerte de nuevo renacimiento neoconservador por el cual, que una chica joven se metiera a monja pues tampoco tenía nada de especial y que bueno, que Lux de la Rosalía y que lo religioso y lo católico en particular vuelven porque ya está bien de tanta mamarrachez. Esto ha seguido más o menos así, de manera que incluso desde el otro lado, la reacción fue furibunda ya que se pretendía vender a la película precisamente como un blanqueamiento del rollo monjil y religioso y el anticlericalismo sempiterno encontraba un asidero al que volver a subirse. Pero no. Resulta que después de su brillantísima intervención en la gala de los Premios Feroz, me he aficionado de malísima manera al podcast Las Hijas de Felipe y por un azar de los algoritmos me salió la crítica que han hecho de esta película y cómo desmienten que sea eso que nos han dicho que era, tanto unos como otros. Porque la película es otra cosa. Y es una cosa bastante más normal y bastante más en la línea. La historia de una chica, huérfana de madre, con un padre rehaciendo su vida y dos hermanas pequeñas, así como la de su tía, emparejada y con hijos pero con un nosequé interior que chilla destrucción de lo que existe. La chica estudia en un colegio religioso, el padre es un mentecato que debería aparecer en las enciclopedias como mentecato y como parece que la vida así en general no es lo que se dice apasionante, y lo poco apasionante que hay parece que está mal, pues encuentra en el reducto de paz y fraternidad y sosiego del convento un refugio. Y como lo hace y no se desdice, pues entonces mal. Mal para la tía que pretende convencerla de que no. Pero no mal para un padre que es el verdadero protagonista indirecto de una película donde el orden religioso, donde los religiosos y las religiosas, no son más que personas que aprovechan las debilidades de cada uno para entrar en ellas y sacar un provecho que en este caso es el de ganar una adepta. Sin coste. Escalofriante ese momento. Sin coste alguno. La película, ya hablando de la película, es un peliculón. Interpretaciones ajustadas y una protagonista, la chica en cuestión, a la que no hay absolutamente nada que reprocharle. Merecidísima campeona de España de los Goyas y no se amedrenten por esos comentarios que nos quieren hacer ver que ya todo es volver al cine de los cincuenta. Nada de eso. Sin coste. 

La Cena - Manuel Gómez Pereira

Cuando hace un tiempo salieron los trailers y anuncios de esta película, los recibí con cierta indiferencia. Bueno, no sé si indiferencia, los recibí con prevención. Me parecía una película de otro tiempo. Una película de años 80 o 90, de aquellas de reparto coral, de secundarios gloriosos, de mala leche pero sin hacer demasiada sangre porque al final vivimos en un Estado en el que tenemos que convivir todos y, como precisamente ya dice uno de los protagonistas de esta película 'La Cena', ¿no hemos tenido suficiente guerra ya?. Sin embargo, a pesar de no tener ningún interés en verla, la lluvia de premios recibida en los Feroz, así como sus nominaciones múltiples a los Goya (a mejor película incluso, oiga), y críticas de amistades que entiendo que entienden, me animaron a pensar que, a lo mejor, la película merecía la pena. Y la verdad, la película no es una gran cosa. Una comedia con el fondo de la postguerra inmediatísima a la instauración del régimen franquista, en la que se propone una cena para Franco que han de preparar unos presos republicanos. Los conflictos con los militares, con los camareros fachas, una historia de amor y la presencia del responsable del Hotel (Alberto San Juan, sin duda lo mejor de la película), intentan retrotraernos a películas berlanguianas o guionizadas por Azcona en sus tiempos, pero no. La película intenta mezclar eso del drama de la derrota, la dignidad de los vencidos, lo grotesco de los vencedores, y las situaciones ridículas o las patochadas o astracanadas o lo que sea, pero hay algo de forzado, de acartonado en todo ello, que acaba haciendo que pierdas interés en lo que pasa, porque más o menos, sabes lo que va a pasar. Si todo consiste en ridiculizar la figura de Franco, que ya es ridícula de por sí, o bien al personaje falangista de Asier Etxeandía, la cosa se queda bastante corta. Si lo que hay es la dignidad de los republicanos, con la gran Elvira Mínguez al frente, la verdad es que los personajes no acaban de destacar en ningún momento, ni por el acento, ni por su inocencia, ni por su simplicidad. Todo parece pensado para un público digamos mayor, nostálgico de ese cine. Incluso la ambientación y decorados y vestuarios nos recuerda a esas series de sobremesa de la Primera donde todo es correcto, pero emociona lo justo. El remate final de lo que acaba siendo una película que quiere parecer pero no llega, es una broma final absolutamente fuera de todo, sobre un pueblecito de Polonia muy bonito llamado Auswitz, que uno piensa, ¿en serio? Pues este es el nivel. 

Caza de brujas - Luca Guadagnino

Hay un momento en la película en el que Julia Roberts, la profesora Imhoff, sale de su apartamento en el muelle y va a coger su coche en el que mientras se esta montando mira al lado y ve un coche con dos chicos, un afroamericano y uno con la cabeza rapada en el que se miran y ella asiente así con la cabeza y ellos, que la están mirando, asienten a la vez y piensas, pero un momento, qué narices tiene que ver esta escena, este momento, este cruce de miradas, con nada de lo que sucede en la película. En ese momento, Julia Roberts, encarnando el papel de la profesora Imhoff, sale de su apartamento en el muelle, un lugar al que regularmente se escapa a trabajar y que descubrimos, justo en esa misma escena en la que está volviendo del apartamento en el muelle, que también es el lugar en el que se ha estado encontrando con su amante. Lo primero que pensé cuando sale ese apartamento fue, qué cucada de apartamento. Porque Julia Roberts, la profesora Imhoff, hay un momento en el que no puede ir a trabajar a su despacho en Yale y le dice a su marido que va a tener que ir a trabajar al muelle. Y ella llega en coche, un Volkswagen, aparca y camina y se mete como en un edificio como raro, que me recordó un poco al edificio y los pasillos de los locales de ensayo donde vamos nosotros y todo es así como un poco abandonadete, pero abre una puerta sin ninguna gracia y entra en un apartamentito, que de apartamentito tampoco tiene nada, una cosa cuquísima, así sencilla sin mucho adorno ni nada, pero con su cocina y su mesita para trabajar. Y hay un momento en el que en ese apartamentito ella llega como un poco zombi, porque va medicada hasta arriba y se está tomando un algo, no sé si una infusión o lo que sea, en una taza o un cuenco de madera. Más cosas. El actor que hace de marido de Julia Roberts, la profesora Imhoff, este actor, que no sé cómo se llama pero que es como una suerte de versión de Joaquin Phoenix, hace un papel prácticamente igual, en una película en la que es el marido o compañero de una escritora que tiene problemas diversos y que si no me equivoco también es profesora universitaria, como él. Aquí él no es profesor universitario, es psicólogo, pero bueno, ella es profesora, los profesores, los alumnos, las intrigas de la universidad. En realidad esta película la has visto antes, con otros actores, con argumentos parecidos, en escenarios similares, bebiendo whisky, hablando de cosas que no estás entendiendo y que renuncias a entender porque crees que lo importante está en la trama y no en lo que parlotean y de la trama tampoco extraes nada claro salvo que el mundo se ha complicado con el feminismo y el lenguaje inclusivo y el elle y tal. Dos horas y veinte de película, Guadignano, Guadagnino, dos horas y veinte. Y un comentario más, de parte de mi compañera, lo que le gusta a este señor sacar a gente durmiendo. 

Sinners - Ryan Coogler

El baile, la música, la matanza final de racistas del KKK, los vampiros, el blues. Como para 16 nominaciones a los Óscars, yo creo que no. 

Jay Kelly - Noah Baumbach

Vamos a ver. De la misma manera que decimos una cosa, decimos también otra, pero a fin de cuentas estamos diciendo lo mismo. Resulta que tu país se está yendo a la mierda y tú te pones a hacer una película sobre esto de ser actor y sobre lo que es la vida, ¿no? Noah Baumbach ha colado algunas películas buenas. Frances Ha es una buena película. The Meyerowitz Stories reconozco que me tocó mucho la patata. Y Histora de un matrimonio, es dura de narices. Pero a partir de ahí, qué ha pasado con Noah Baumbach. La película anterior a esta, que ya no recuerdo ni cómo se llamaba, ni siquiera tuve narices a terminarla porque me pareció un pestiño importante sin pies y sin nada de cabeza. Esta película cuenta con el protagonismo de un George Clooney que se supone que es una garantía de calidad, y sin embargo, consigue que el personaje de Clooney te canse, te aburra, no te interese. De hecho, hay algún momento en el que piensas exactamente esto: pero a mí qué me importa. El tema es que un actor ya madurito, hace un balance de su trayectoria y de su vida personal, la relación con sus hijos y tal y lo lleva todo a término además con motivo de un viaje a Italia para participar en un homenaje a sí mismo. El poti poti de cosas a veces te llama a la reflexión y otras te genera rechazo. Un rechazo que se vuelve en incredulidad cuando el viaje a Italia se convierte en una excusa para caer en todos los topicazos sobre nuestro país hermano y cuando intuyes una cierta voluntad de Sorrentinizar la película que, una vez detectada, ya no te suelta. ¿Qué necesidad hay, Noah Baumbach, de contar una historia mil veces o dos mil veces contada, sin introducir ninguna novedad novedosa, ni un punto de vista o una... nada, cuando todo a tu alrededor lanza señales de que el mundo está cambiando? ¿Porqué te miras así el ombligo? ¿Porqué hundir la cabeza bajo la tierra de tu propio mundillo cuando el mundo se está pudriendo ante tus ojos? Intuyo alguna respuesta a todas estas preguntas y no me gustan. Tan solo salvaría, por salvar, la presencia en un cameo una vez más del bueno de Dean Wareham de los Galaxie 500 y Luna, que debe ser colega de Noah o algo. Y ya.

Una batalla tras otra - Paul Thomas Anderson

Convendremos en decir que las películas se han vuelto raras. Que todo ha adquirido un tono un tanto extraño. El dedo se me ha ido y he estado a punto de poner extremeño. Extremo y extraño. Todo, menos lo que quiere ser convencionalmente consciente de que todo es igual que ayer, que hace dos años, que hace diez años y que se pueden seguir contando las cosas como si no pasara nada, como si el mundo no se hubiera puesto patas arriba y como si nuestra vida pudiera seguir contando vacaciones de la infancia, me quiere o no me quiere, tengo un sueño y lo voy a cumplir, subo las escaleras corriendo y cuando llego la canción suena fuerte y me siento como si hubiera ganado y Rocky estuviera en el suelo chorreando sangre. O el otro. Las películas que quieren plasmar el tiempo en el que vivimos no salen de su asombro. Así, algunas películas que son muy buenas, lindan el despropósito. Porque todavía, los creadores, no salen de su asombro, no son capaces de entender qué está pasando. Y aunque estas películas lo cuentan o pretenden explicarlo o imaginarlo siquiera, a veces están a punto de caerse por un precipicio y llevarnos a nosotros detrás. Películas como esta nos tienen todo el rato en vilo porque queremos que sea buena, que esté bien, que nos confirme que hemos acertado, que el director es bueno, que el reparto es excelente, que el mensaje ha de ser correcto. Lo correcto ya está, ya fue. Lo correcto, lo bien, lo ideal, se ha ido. Toca otra cosa y esta película es un retrato desquiciado de lo que estamos viviendo. Tiempos que van deprisa, imposibilidad de saber qué pasa, brutalidad, miedo, desconcierto, constatar que hay gente que se está jugando la vida por salvar algo, lo que sea, una revolución, una idea, su propio culo, nuestro culo. La película es una historia de venganza en tiempos de desastre. Este desastre. Tiempos en los que el fascismo, aunque ya sabemos que técnicamente hay páginas y páginas que nos dicen que esto no es como el fascismo, lo sabemos, lo sabemos, pero el fascismo, digo, está avanzando y gobierna. Estamos gobernados por fascistas en buena parte del globo y tenemos que resistir y no sabemos si resistimos o estamos resistiendo o hay alguien resistiendo. Es una película, no nos flipemos. Y no es una película con mensaje. El mensaje es la película, poniéndonos ridículamente antiguos. Una película sobre un grupo revolucionario que sufre una deserción y una delación y que sobrevive hasta que el poder reacciona ante una señal, ante un trozo de carne que sangra en el mar, y se lanza de nuevo a consumar una venganza que no se llegó a completar. Una lucha continua en la que se mezclan cosas, conceptos, películas y situaciones que nos indican que lo que nos puede parecer grotesco, exagerado, bizarro, extremo y extraño, en realidad, se queda corto ante lo que a las nueve de la noche podemos ver en las noticias de la nueve de la noche. Quizás, hasta que haya noticias a las nueve de la noche.

La acompañante - Drew Hancock

Es que el feminismo ha llegado demasiado lejos. Este mantra que se escucha una y otra vez para justificar que seres humanos que parecen tener dos dedos de frente se hayan ido a la derecha o la extrema derecha porque es que fíjate que es que ya no se puede nada, oye, comienza a ser respondido por una serie de películas que denuncian la fantasía creada y ya absolutamente irreversible de 'mujeres florero' que se dediquen a lucir, a alabar los éxitos y grandezas del señor de la casa o bien a comprenderle en sus múltiples fracasos e inutilidades. Una de estas películas es esta reciente 'La acompañante' que presenta un argumento y una historia que es bastante sencilla y que no pasará a la historia del cine precisamente, pero que viene a poner el acento en el sueño dorado del joven nacional: una piba robot. Ella es nada menos que una de las protas de Yellowjackets y de la reciente Heretic y él es el hijo de Nosequé Quaid y como que es su hijo es Quaid también pero no me pregunten el nombre. Él con esa cara que tiene que hemos visto en The Boys, pues no puede ser malo, y ella pues claro, tiene que ser mala porque él no es malo. Y así se convierte la película en otra cosa de lo que nos habíamos figurado y oye, ya se ha pasado halloween y a otra cosa mariposa que hay muchas cosas que hacer y no se hacen solas. 

Berlinguer. La gran ambición - Andrea Segre

Esta película es interesantísima por muchas cosas. Es dolorosa por muchas cosas. Esta película está hecha no sé con qué intención. No sé si es la de elevar la moral de la tropa o si es la de ponernos frente a un espejo. Esta película hiere. Esta película también nos muestra cuan difícil es todo lo que intentamos, los enemigos a los que nos enfrentamos incluso cuando todos somos uno, cuando estamos unidos, cuando vamos a una. Incluso ahí, lo tenemos todo en contra. Lo hemos tenido incluso cuando hemos aprendido de nuestros propios errores. Incluso cuando no hemos cometido errores y hemos intentado aprender de nuestras fantasías idealistas. Incluso sin tener fantasías idealistas, sin tener nada más que esa gran ambición de la que se habla y por esa gran ambición someterse a sacrificios que dejan atrás dogmas y sumisiones a gentes o símbolos o rincones confortables o memorias que son anclas, incluso ahí, incluso teniéndolo todo, incluso ahí, lo tenemos todo en contra. Incluso siendo el PCI, teniendo una historia de la que aprender, teniendo una organización modélica, teniendo cuadros que piensan, teniendo dirigentes que actúan con sentido y con rigor, teniendo intelectuales y teniendo una base que está en contacto con la vida de la calle porque ellos son la vida de la calle. Todo eso nos lo enseña una película que retrata unos años cruciales en la historia de Italia pero también en la historia de lo que podríamos llamar movimiento comunista. Así sin mucho lío. Enrico Berlinguer, después de la experiencia truncada del socialismo en Chile, truncada y asesinada por los fascistas que ni consienten ni permiten una vía democrática al socialismo, Berlinguer como digo, secretario general del PCI llega a la conclusión de que en lugar de enfrentarse con la Democracia Cristiana como en Chile, perdón, en lugar de considerar a la Democracia Cristiana parte del bloque antidemocrático o dejarles en ese rincón, es mejor atraerlos, convencerlos de que hay dos bandos: los demócratas y los antidemócratas. Y los comunistas, incluso contraviniendo las directrices soviéticas, son demócratas. Este sería el plan. Convencer a los propios y a los ajenos, de eso trata el hilo de la película. Esa pretensión de abandonar el dogmatismo revolucionario o falsamente contrario a la democracia liberal, no será fácil y los propios se convencen y los extraños se extrañan. Pero se asume, se consigue, se trabaja, se explica y se convence. El problema son los otros, claro. Y todo queda meridianamente claro en unas declaraciones de un Agnelli, uno de esos cavalieres, de esos señores tan elegantes, con tanta clase, tan aplaudidos en las revistas por su estilo, su sobriedad, su... pero que dice que hará todo lo posible para que Italia no sea comunista ni eurocomunista. Todo lo posible. 
Todo lo posible. 
Y así, efectivamente todo lo posible se termina haciendo y pese a que el PCI mantendrá un apoyo electoral considerable que obligará a fórmulas de gobierno rocambolescas para no permitir su entrada en el gobierno durante los ochenta, la táctica funciona. Comunistas o eurocomunistas, donde mejor estamos es en nuestro rincón. 
Y si esta lección es sangrante o dolorosa, mucho más lo es contemplar esas imágenes de archivo en las que se muestra en todo su esplendor lo que era el mayor partido comunista de Europa occidental. El poder de convocatoria, de identificación, de implicación. Lo que es un modelo de organización y de compromiso. Son imágenes de manifestaciones, de fiestas del partido, de funerales, de fábricas, de la calle. El orgullo de ser comunista y de saber que perteneces a algo que nos hace mejores, a todos y todas. 
Y la tristeza inmensa que te asalta cada vez que piensas que esas imágenes de muchedumbres, de rostros orgullosos, tan solo quince o veinte años después, se quedan en nada. En nada, sin referentes, sin continuidad, sin memoria, sin hilo conductor, en el vacío. Hoy qué queda en Italia de todo eso. Queda quizás algo como el Partido Demócrata, pensarás, querido lector. Piénsalo y si es eso lo que queda, qué pasó. Qué pudo pasar. Cómo pudo pasar.
Ver esta película con orgullo y con la ambición de querer un futuro mejor en tiempos de tanta zozobra y oscuridad. Ver esta película como la eterna vindicación de algo que se fue y que se ha ido. Antes. Pero es hoy. Para hoy. 
Lo tenemos todo en contra. Hasta la memoria.